lunes, 15 de julio de 2013

Concierto Uriah Heep en el Festival Internacional de Jazz de San Javier

Año tras año el Festival Internacional de Jazz de San Javier apuesta por un grupo de Rock Clásico en busca de contentar a su fiel público, que no sólo busca Jazz.
La ubicación costera de San Javier hace que en las fechas veraniegas se llene de un gran número de turistas ingleses, por lo que traer a un grupo de Rock Clásico británico es siempre una gran apuesta... y si se trata de Uriah Heep es una apuesta sobre seguro.

Uriah Heep nació en el 69, en Londres, y se convirtió en una banda popular no solo en Inglaterra, sino también en el resto de Europa e incluso en Estados Unidos. La grandeza de Uriah Heep está en la variedad musical que encontramos a lo largo de su discografía, en la que podemos encontrar albums más progresivos, más rockeros e incluso muy próximos al Heavy Metal.

La actual formación de Uriah Heep, la que nos visitó en San Javier, está compuesta únicamente por un miembro original, el mitiquísimo guitarra Mick Box, y por dos miembros que llegaron a mediados de los 80s, el teclista Phil Lanzon y el cantante Bernie Shaw. La formación que vimos en San Javier se completaba con Russel Gilbrook a la batería y Davey Rimmer al bajo, sustituyendo a Trevor Bolder, que falleció en Mayo de este mismo año por cáncer. Además... había una pequeña golosina... el gran John Lawton, cantante que estuvo en tres discos de mediados de los 70s con la banda (Firefly, Innocent Victim y Fallen Angel).


El concierto se celebró en el Auditorio Parque Almansa, una ubicación perfecta para conciertos, con una acústica excelente y un gran número de asientos. Cuenta además con un pequeño foso al pie del escenario, que decidieron reservar sólo para fotógrafos con el fin de no molestar a los abonados que estaban en las gradas más bajas y próximas al escenario. Algunos fans accedieron al foso para disfrutar del concierto a pie de escenario y poder tener más cerca a sus ídolos, lo que empezó a ocasionar problemas con el personal de seguridad, que trataba casi inútilmente de apartarlos del escenario. Bernie Shaw se dio cuenta de esto aproximadamente en el segundo o tercer tema que tocaron, y cuando terminó la canción dijo que, pese a que estaban en un festival de Jazz, ellos no hacían Jazz, hacían Rock... y el Rock se escucha y se baila, por lo que animó a todo el público a bajar de sus asientos y ocupar el foso ante la atónita mirada del personal de seguridad.

El concierto no empezó con la famosa puntualidad británica, pero empezó antes de que los que habíamos llegado los primeros para ocupar un buen sitio no empezáramos a impacientarnos.
Como vienen haciendo en todos los shows desde hace años, la encargada de abrir el show fue Against the Odds, un tema muy de corte 'heavylongo' de la era Shaw que hace empezar con fuerza y entrar al público en calor con un juego coral muy dado a ser coreado por los asistentes. .
La sorpresa nos llegó con Traveller in Time, de uno de los discos más famosos del grupo, el Demons and Wizards. Nada más ser presentada, y antes de que una sola nota fuese tocada, el público ya enloqueció con la sola mención del álbum en cuestión. Después llegó el turno de otra de las clásica de la época más progresiva, Sunrise, de otro de los discos 'peso pesado' de Uriah Heep (y uno de mis favoritos) Magician's Birthday. La actuación de Shaw es de sobresaliente. Dinámica, enérgica y sin irse en ningún momento, por lo que nos hizo olvidar, quizás, que las canciones clásicas las cantaba nuestro querido David Byron.
Y otra clásica, que es lo que nos gusta a los fans "old school", Stealin', del Sweet Freedom. Personalmente, al oír el ritmo cabalgante del inicio del tema, se me pusieron los pelos de punta y me arrepentí muchísimo de no haber bajado al foso para bailar y disfrutarlo como se merece. Pero desde la altura de la grada podía ver mucho mejor a Shaw en acción y disfrutar del concierto a otro nivel. .
Un pequeño parón y un momento de diálogo para presentar como se merece al señor John Lawton, que salió vestido elegantemente de blanco, demostrando que la clase no solo la tiene en la voz.
Shaw y Lawton nos presentaron un magnífico duelo de voces interpretando la bonita balada Rain, también de mi disco favorito Magician's Birthday. Decir que este momento fue precioso sería quedarse corto.

Pero el ritmo no podía continuar así, y tras una balada hay que meter algo de caña, así que optaron por interpretar, también los dos a la voces Sympathy, del Firefly (de la era del propio John Lawton), una canción himno que desató la locura de grada y foso.
Shaw dejó todo el protagonismo a Lawton para que se luciera interpretando Free me, del Innocent Victim (otro de los discos en los que participó Lawton). Este tema tiene un estribillo bastante Gospel, y, en ocasiones daban ganas de levantar las manos y dejarse llevar como si estuvieras en una maldita misa con coro de Gospel incluido.
John Lawton se retiró del escenario con todo el público en pie aplaudiendo, y tras este regalito con nuestras golosinas clásicas, Shaw nos recordó que la banda estaba en promoción de su último álbum, Into the Wild, y frenaron y enfriaron a un público sediento de clasicazos interpretando I'm Ready, Nail on the head y Into the Wild, que son tres señores temazos que demuestran que el grupo está vivo y sigue creando buena música. Pero servidora aprovechó este momento para acercarse a la barra a rellenar su cerveza, que una gusta de la música pero también de la cerveza y no puede estar seca en un concierto.
Tras las nuevas canciones... ya me dio el subidón, porque cuando vi que empezaban con Gypsy (tema que jamás de jamases me cansaré de escuchar) del disco very 'eavy... very 'umble, sabía que llegaba el tramo final del concierto... y lo mejor del mismo. Sin dejarnos respirar cambian a Look at Yourself, tema que da nombre a su disco Look at Yourself, y yo, y todos, nos dejamos llevar y sentimos la magia del personaje de Charles Dickens, Uriah Heep, hecho grupo.
Pero lo bueno seguía, y July Morning (también del Look at Yourself) nos llegaba como un regalo de los Dioses en una noche de Julio.

Nos dieron un pequeño respiro, mientras Mick Box se ponía una acústica y Lawton volvía a salir y cogía también la acústica y, antes de que empezaran a tocar, antes de que dijeran la nada... las acústicas solo pueden significar una cosa... y yo ya sabía que era el momento de Lady in Black. Se nota, sin lugar a dudas, que es una de las canciones más populares del grupo y, además, es perfecta para crear un vínculo con el público y hacerle partícipe del espectáculo. Casi me emocioné al ver a TODO el mundo, niños, adolescentes, jóvenes, adultos y personas de avanzada edad corear al unísono los "aaaah" del tema.
Con este éxtasis musical el grupo se despide y abandona el escenario, dejando al público con la miel en los labios pidiendo más y más.
Vueeeelven a salir, y, como novedad, antes de empezar a tocar la siguiente canción piden a todas las señoritas que gusten que se suban al escenario. Unas 25 atrevidas se subieron al escenario, para que luego digan que el rock es cosas de hombres (aquí servidora decidió que era mucho más divertido quedarse en su sitio para ver el show que subir al escenario), y bailaron sobre mientras la banda interpretaba Free n' easy.
Se bajan las señoritas tras tener su momento de gloria, y ya a solas Uriah Heep nos regalan la última canción del espectáculo: Easy Living, una canción que todos los que conocemos los Set Lists sabemos que suelen dejarla siempre para cerrar el concierto y dejar al público satisfecho y pensando que si vuelven, hay que ir a verles de nuevo.

Todas las veces que he ido al Parque Almansa al Festival de Jazz de San Javier me he quedado fascinada con la acústica del sitio... y encima, Uriah Heep tienen un sonido perfecto. No se fueron en ningún momento, se entienden perfectamente sobre el escenario, las voces suenan casi como si fueran Playback... y eso, y la marcha que dan, el buen rollo que se respira... un concierto 10.
No puedo dejar de destacar lo que más me sorprendió del concierto. Desconocía completamente al batería que les acompaña desde 2008, Russell Gilbrook, y me dejo completamente alucinada. Es como si un grupo de hard rock/heavy metal no muy cañero llevara un batería de thrash metal. La fuerza y la energía que le daba Gilbrook a la batería hacía que las canciones entraran en otro nivel. Casi estaba deseando que terminaran las canciones porque al final de cada una Gilbrook se aceleraba y su batería se comía incluso al hipnótico hammond de Lanzon y a la guitarra del señor Box. Es como si hiciera un pequeño gran solo al final de cada tema. Asombroso.

Destaco también a Bernie Shaw, que pese a que prefiero a David Byron me hizo olvidarme completamente de él. Su voz no es tan "perfecta" como la de John Lawton, pero el hecho de que empezara al 100% y terminara al 100%, sin aflojar en ningún momento, sin parar de moverse, sin tomar casi descansos y sin desafinar en NINGUNA PUTA NOTA... esa entrega y esa buena comunicación con el público... eso es de valorar. Cantante 10 y Frontman 10.

La única pega que encuentro, tras mucho pensar que no podía escribir algo sin poner una pega... es que es demasiado corto. Sin teloneros y con el precio tan elevado de la media de lo que suelen costar las actuaciones del Festival creo que podrían haber metido perfectamente dos o tres temas más mínimo. Sobre todo Wizard, que la he visto siempre SIEMPRE en todos los Setlits del grupo... ¿CÓMO NO METÉIS WIZARD ALMAS DE CÁNTARO?

Uriah Heep demuestran que no han muerto y que siguen con ganas de quedarse en los escenarios y hacer, si cabe, de Uriah Heep una leyenda más y más grande.

lunes, 8 de julio de 2013

Para Syd Barrett

En memoria de Roger Keith Barrett, Syd Barrett, que nos dejó un 7 de Julio hace 7 años. El alma de Pink Floyd, quien con su locura y su prisma cambió, sin lugar a dudas, la forma de ver y entender el rock. Inspirado en él, su lírica y su música.
Tú, valiente loco, valiente genio. Brillante luz que ilumina los caminos más allá de la cordura. Mago, creador de universos. Niño en mundos de adultos, diamante fragmentado. Viajero perdido entre caminos de excesos.
A ti, grande entre los grandes, águila escarlata, te dedico hoy mis palabras. Y hoy enciendo las llamas de tu recuerdo. Tu nombre, será como los cuentos de hadas, nos mantendrá en lo alto.
Sólo dame una bici, y cabalgaré un unicornio.
Si la música parece calmar el dolor y motivar el cerebro, allá donde estés sigue creando, que si las estrellas te asustan, no debes tener miedo, porque aquí las flores seguirán creciendo.

lunes, 24 de junio de 2013

XVI Festival Internacional Jazz San Javier

Un año más, la ciudad murciana de San Javier se transforma por unos días en una ciudad de Jazz.
Las chanclas playeras y los turistas extranjeros se mezclan entre baterías descompasadas y trompetas afiladas. El vaivén de un público selecto y exquisito, hambriento de la magia de una música que ya a penas tiene cabida en las emisoras de radio.
Mas el jazz está vivo, el jazz no muere. Y San Javier le da un año más otra nueva oportunidad desde este mismo sábado 29 de Junio hasta el sábado 27 de Julio.
21 actuaciones en 11 días, con un cartel muy atractivo para los amantes del género.



Sábado 29 de Junio. 15€
Abdón Alcaraz con Jorge Reyes y Enrique Heredia "el Negri"
Para inaugurar el Festival, la organización ha decidido hacerlo con una joya de nuestra Región. Un pianista con clase, que gusta de mezclar la música Jazz con otro de sus géneros favoritos: el flamenco. Viene de triunfar en diversos festivales de flamenco, donde su flamenco fusión ha recibido premios y halagos de la crítica especializada. Además, por si la fusión de Jazz Flamenco se nos quedara corta, viene acompañado de Jorge Reyes, prestigioso contrabajista cubano, y una magnífica voz como la de Enrique Heredia el Negri, que ha colaborado con grandes del género como Paco de Lucía o Tomatito.
Ocho músicos en escena y Mara Luna, que se encargará de adornar la mezcla de Flamenco, Jazz, música cubana con su baile.
Dhafer Youssef Quartet
Desde Túnez nos llega una maravillosa propuesta de manos del mago Dhafer Youssef, un piano, un contrabajo y percusión. Dhafer Youssef es un maestro de un curioso instrumento, el oud, una especie de laúd árabe. El misterio de la música árabe aderezado con toques jazzísticos a través de una voz sentida que nos transporta a tierras del sur del Mediterráneo. A quien guste de nuevas experiencias musicales, esta es, sin duda, una actuación más que recomendable.

Viernes 5 de Julio
Avishai Cohen Quartet 
Avishai Cohen (no confundir con el trompetista) es un viejo conocido para los que gustamos la música de Chick Corea. Contrabajista virtuoso y compositor excepcional, fue seleccionado por la revista Bass Player como uno de los bajistas más influyentes del siglo XX. Tras abandonar Origin, el grupo de Chick Corea, se aventuró en numerosos proyectos destacando Avishai Cohen Trio, y nos vuelve a visitar en San Javier con su cuarteto, un Jazz fresco con tintes clásicos, muy recomendable para amantes del rock progresivo.
Alain Pérez, Julio Montalvo & The Cuban CollectiveUn buen festival jazz no podía quedarse sin el toque del jazz latino... y que mejor manera de acercarnos al calor y el ritmo del jazz latino que traer al magnífico cantante-bajista Alain Pérez y juntarlo con el trombonista, percusionista y cantante Julio Montalvo... y, por si fuera poco, acompañarlos de la gran Cuban Colletive. Una fiesta Jazz, con el encanto de mezclar el Jazz con boleros, funk y todo la sabrosura de la música cubana.

Sábado 6 de Julio
Grace Kelly, Lynne Arriale & René Marie Quintet.
Señores... agárrense los cinturones, porque nos llega una de un magnífico trío de señoras acompañadas de dos caballeros.
Grace Kelly, una jovencísima saxofonista asiática. Lyne Arriale, una maestra del piano y el jazz clásico. René Marie, una extraordinaria vocalista con una voz privilegiada y un encanto en los escenarios admirable.
De esta unión de estas tres divas sólo pueden salir cosas buenas.
Bill Evans & The Soulgrass BandBill Evans vuelve a San Javier, acompañado de The Soulgrass Band. Un MAESTRO saxofonista que tuvo el honor de acompañar al mítico Miles Davis. Mezclarán el Jazz con diversos géneros más populares como el rock el bluegrass y el folk. Destaco que la Soulgrass Band cuenta con un Banjo, que le da un sabor americano a esta orgía de géneros.

Miércoles 10 de Julio
Jon Batiste & Stay Human
El jazz corre por las venas del joven Jon Batiste, que desde pequeño apuntaba maneras. Pese a su juventud demuestra tablas y profesionalidad. Un jazz muy sureño que, confieso, me ha sorprendido gratamente. Las nuevas generaciones vienen pisando muy fuerte y Jon Batiste es alguien muy a tener en cuenta. Y... para muestra, un botón. Grande Jon Batiste.


John Pizarelli Quartet
Otro veterano que vuelve a San Javier, donde, según leo, en sus dos anteriores visitas al festival fue ovacionado.
Un jazz muy de club de copas, a mi parecer. Sencillo y ameno.

Viernes 12 de Julio
Uriah Heep
El plato fuerte del festival, el reclamo para el público que desconoce el Jazz... una leyenda del rock progresivo que nos honra con su presencia.
Poco hay que decir de ellos que no digan ellos solos con sus temas. ¿De verdad estás pensando en perdértelos? Oh, sal ahora mismo de aquí...




Sábado 13 de Julio
Thierry Lang Trio & Matthieu Michel
Otro de los platos fuertes del festival. Desde Suiza, el pianista que revolucionó el mundo del Jazz y que se consagró como uno de los grandes pianistas Jazz europeos de todos los tiempos, el maestro Thierry Lang, que viene acompañado, además, por otro Suizo influyente en la escena europea como es Matthieu Michel.
The Original Blues Brothers Band
Y otro plato fuerte... que aquí los cocineros de la organización han decidido colmarnos de platos potentes. Esta vez, en el campo del Blues.
Una fiesta en el escenario, un gran homenaje a la música negra. Un concierto para dejarse llevar y disfrutar.

Martes 16 de Julio
Bettye Lavette
Teníamos Jazz Fusión, Jazz árabe, blues, jazz-rock con tintes americanos, jazz latino, jazz clásico, rock... nos faltaba el Soul, y Soul tenemos, de que manera, de la voz de la gran Bettye Lavette. La elegancia y la clase del soul, a menudo mezclada con algo más de blues y rock. Un concierto intimo para los que estén dispuestos a enamorarse de la voz de Bettye.
Shuggie Otis
Cuando os dije que esta edición venía fuerte no mentía. El apellido Otis os debe de sonar. Shuggie Otis es hijo de, agárrense, Johnny Otis, el sensacional músico, compositor y productor de la escena Blues y Rhythm and Blues de California. Un grande entre los grandes que entró en el Rock and Roll Hall of Fame.
Su hijo, Shuggie, acompañado de su hermano Nick a la batería, vienen a traernos Rhythm and Blues del bueno y a hacer que el apellido Otis siga brillando tras la muerte de Johnny el año pasado.

Viernes 19 de Julio
Albert Marqués Trio & Jordi Bonell
Siempre digo que nos empeñamos en viajar muy lejos para buscar grandes cosas cuando las tenemos más cerca de lo que creemos. El joven Albert Marqués, pianista catalán, muy muy prometedor dentro del género, acompañado de un veterano del jazz también catalán, Jordi Bonell a la guitarra.
Jazz at Lincoln Center Orchestra with Wynton Marsails
Otra de las cosas que nos faltaban... una Big Band de Jazz... y menuda Big Band, porque Jazz at Lincoln Center Orchestra está considerada como una de las más importantes y prestigiosas de nuestros tiempos. Además, entre sus filas, destaca la figura de Wynton Marsails, un gran e importante trompetista cuyo toque no deja indiferente a nadie.

Sábado 20 de Julio
Pedro Iturralde Cuarteto
Un grande del jazz flamenco, de los primeros que se atrevió a mezclar la música Jazz con nuestro flamenco. Respetado y admirado, según leo, la organización del Festival le otorgará el premio de honor de esta edición como homenaje a una vida dedicada a este género.
Judith Mateo
Para añadir más diversidad musical a esta edición, se une la preciosa Judith Mateo, una violinista virtuosa que fusiona su especialidad en música celta con rock. Para ello, cuenta, entre sus seis músicos, con dos excomponentes de Mago de Oz: Fernando Ponce de León y Sergio Cisneros.

Viernes 26 de Julio
Víctor Aneiros Band con Julie Guravich 

Blues con sabor añejo desde Galicia. Con la participación de la canadiense Julie Guravich.
China Moses & Raphaël Lemonnier 
La peculiar voz y la clase de la hija de Dee Dee Bridgewater acompañada del gran Raphaël Lemonnier también nos honrarán con su presencia en esta edición.

Sábado 27 de Julio
Lou Donaldson Quartet
Para cerrar el festival, que mejor que hacerlo con una leyenda del saxo. Poco que decir sobre él, salvo que es brillante... y que pese a que su sola presencia ya sería motivo de alegría, el cuarteto que lo acompaña (Randy Johnston, Akiko Tsuruga y Fukushi Tainaka) es, simplemente, para quitarse el sombrero. ¡Disfruten este pequeño anticipo!

Chuchito Valdés Cuarteto con Sandra Carrasco. Homenaje a Bebo Valdés
Pianista hijo del gran Chucho Valdés... esta vez viene para homenajear a su abuelo, Bebo.
Para mi, la música es el sazón que le da sabor y disfrute a la vida.  Espero que donde sea que nos encontremos les guste el sabor de mi música y que encuentren disfrute en el sazón que viene del corazón.
No me cabe la menor duda de que cualquiera que sepa apreciar la buena música disfrutará el sazón del corazón del gran Chuchito.


Como ven, el Festival Internacional de Jazz de San Javier viene un año más cargado de variedad, talento, leyendas, nuevos descubrimientos... un explosivo cóctel para que expertos en el género y nuevos y curiosos adeptos se enamoren, como yo, de la música en directo.

viernes, 14 de diciembre de 2012

Sobre talibanes musicales...

He tenido millones de veces la misma discusión. La música comercial vs la música de"calidad". Mis conversaciones musicales suelen ser con gente con la que comparto gustos, gente que comparte mis conocimientos (y los supera) sobre la música y que ha dedicado las mismas horas que yo a escuchar y analizar música... y se escandalizan cuando en mis listas de reproducción, después del Adagio de Albinoni salta un tema de James Blunt y después una tema de King Crimson... y después un tema electrónico de los 90s.
Hay mucho cerrado por el mundo, gente cuya única forma de entender la música es a través de la perfección musical. Los hay que se cierran en lo considerado como música culta. Los hay que se cierran en música "auténtica", dentro de las ramas de un mismo género (vease por ejemplo, el rock progresivo setentero vs. el considerado como neo pro actual). Los hay que se cierran en la movida underground y rechazan la comercialidad de un género (miles de ejemplos en miles de estilos: pop rock, hip-hop, heavy metal...).
Y yo los odio a todos ellos. Los odio, porque tratan de racionalizar la música de algún modo. Los odio porque tratan de IMPONER no sólo sus gustos, sino su forma de sentir... porque amigos, la música no es matemáticas. No es nada exacto ni absoluto. La música es, como siempre digo, energía y magia. Tratar de escucharla con la cabeza es absurdo; se escucha no sólo con los oídos, sino con el corazón. Se escucha con los recuerdos, con los sueños, y con el cuerpo. 

¿Por qué ha de tener más valor una pieza de música renacentista que la última canción de David Guetta? Es un ejemplo extremo, lo sé. Pero para alguien que no tiene el oido educado, es completamente comprensible que una pieza renacentista pueda parecer aburrida y tediosa, y, en cambio, la última canción de David Guetta no sólo hable de algo que entiende y siente, sino que hace que se le meta el ritmo en el cuerpo y le haga vivirla de forma especial. No puedes criticar lo que una persona siente y entiende. Evidentemente, musicalmente una pieza clásica va a tener más "calidad", pero por Dios, ¿qué importa eso? ¿De qué sirve algo perfecto si no se puede disfrutar?

Algo similar a lo que hablo encontré releyendo el "Lobo Estepario" (recomendadísimo). Una conversación que Harry Haller, el lobo estepario, mantiene con un músico de la época. A día de hoy, se podría hacer un simil entre un músico profesional que prefiere hacer pop en vez de Jazz ;)

Me tropecé una vez con él en la calle, junto al muelle, y se me acercó sin más preámbulos. Esta vez conseguí por fin hacerle hablar.
-Señor Pablo -me dirigí a este joven, que jugueteaba con un fino bastoncilllo negro y plateado-, es usted amigo de Hermine, y ésa es la razón de que sienta interés por usted. Pero debo decir que no me resulta fácil la conversación con usted. He intentando varias veces hablar con usted de música; me hubiese interesado conocer su opinión, su criterio, oír sus objeciones; pero no se ha dignado darme ni la más pequeña respuesta.
Se echó a reír francamente y no se quedó ahora sin responder. Dijo con indiferencia:
-Mire, en mi opinión no tiene valor alguno hablar de música, jamás hablo de ella. Además, ¿qué hubiese podido responder a sus inteligentes y acertadas palabras? Tenía usted razón en todo lo que ha dicho. Pero, ya ve usted, yo soy músico, no un sabio, y no creo que en música tenga el menor valor estar en posesión de la razón. En la música, no es la razón lo que importa, ni el buen gusto ni la instrucción ni todo lo demás.
-Muy bien. Entonces, ¿qué es lo que importa?
-Que se haga música, señor Haller, que se haga música todo lo bien e intensamente que se pueda y tanta como se sea capaz. Eso es lo que importa, Monsieur. Si tengo en la cabeza todas las obras de Haydn y de Bach y puedo decir las cosas más inteligentes acerca de ellas, poco provecho podrán sacar otros de mí. En cambio, si cojo mi flauta y toco un shimmy corriente, la gente sentirá alegría lo mismo si es bueno que si es malo, se apoderará de sus piernas y se les meterá en la sangre. Eso es únicamente lo que importa. Eche una ojeada en torno suyo en una sala de baile en el momento en que comienza de nuevo la música después de un prolongado descanso y verá cómo brillan los ojos, cómo se estremecen las piernas, cómo empiezan a reír los rostros. Para eso se hace música.
-Muy bien, señor Pablo; pero no hay tan sólo música para los sentidos, la hay también para el espíritu. No existe la que únicamente se está ejecutando en este preciso momento, sino que también la hay inmortal, imperecedera, que continúa viviendo aunque dé la precisa casualidad de que no se toque. Cualquiera, echado en la cama, puede traer a su memoria una melodía de La flauta mágica o de La pasión según san Mateo, y entonces existe la música sin necesidad de que siquiera una persona sople en una flauta o pase el arco por un violín.
-Cierto que sí, señor Haller. También el yearning y Valencia son reproducidos en silencio por personas solitarias y soñadoras; incluso la más pobre mecanógrafa, mientras está en su oficina, tiene en la cabeza la música del último onestep y teclea al compás de esta música. Tiene usted razón. Para mí, todas estas personas solitarias disfrutan de con su música silenciosa, lo mismo si se trata de La flauta mágica que si es el yearning o Valencia. ¿De dónde, si no, sacan su música silenciosa estas personas solitarias? De nosotros, de los músicos. Tiene primero que ser tocada y ha de entrar en nuestra sangre antes de que en sus habitaciones puedan recordarla y soñar con ella.
-De acuerdo -repliqué con frialdad-. Sin embargo, no es posible colocar en el mismo plano a Mozart y el último foxtrott. Y no es lo mismo tocar para los demás una música divina e inmortal que una música barata que es flor de un día.
Cuando Pablo notó el tono de excitación en mi voz, puso al instante la más amable de sus caras, me tocó el brazo con gran afecto y dio a su voz una ternura increíble.
-¡Ah, querido amigo, es posible que tenga usted toda la razón con eso de los planos! Desde luego, no tengo nada en contra de que ponga usted a Mozart, Haydn y Valencia en el plano que más le acomode. Me da lo mismo, no tengo que decidir nada sobre la cuestión de los planos, no piden mi opinión al respecto. Quizás la música de Mozart sea ejecutada todavía dentro de cien años, en tanto que Valencia ya no se vuelva a escuchar dentro de un par de ellos; pero creo que esto podemos dejarlo tranquilamente en manos de Dios, que es justo y dispone de la existencia, tambien la de cada bailarín y de cada foxtrott; Él decidirá lo que sea justo. Los que tocamos música, sin embargo, tenemos que hacer lo nuestro, lo que es nuestro deber y obligación: tocar lo que la gente aspire a oír en el preciso momento, y tenemos que hacerlo lo mejor y más bellamente que podamos.
Abandoné la discusión, suspirando. No había manera de convencer a este hombre.
                                                               El lobo estepario, Herman Hesse.

miércoles, 5 de diciembre de 2012

Grandes temas I: Rush - 2112

Mucho tiempo ausente... muchos meses... pero nunca es tarde. Bienvenido de nuevo, a Set the Controls for the Heart of the Sun.

Nunca podremos definir exactamente qué es lo que tiene un tema que hace que se convierta en un "temazo". Nunca podremos saber qué es lo que hace que un tema triunfe y otro no. Nunca podremos estar de acuerdo con todo el mundo.
Pero lo cierto es, que en la historia de la música hay temas que, quizás, se esperase que pasasen desapercibidos, y, contra todo pronóstico, triunfan.
Quizás se trate de una melodía contagiosa, una composición virtuosa, una letra poética... o quizás, simplemente, de un "algo" mágico que acaricia nuestros sentidos a niveles que no esperabamos sentir.
Hay miles de temas mágicos. De esos que no puedes dejar de escuchar. De esos que descubres algo nuevo en cada escucha: una nueva emoción, un nuevo recuerdo, una nueva revelación...
Aunque eso de los "temazos", como todo, es algo muy personal... he decidido que compartir mis temazos es la mejor forma de retomar esto y seguir compartiendo, como siempre, un pedacito de mi a través de la música.

Rush es una de las grandes formaciones de progresivo nacidas a mediados de los 70s. Aunque los más puestos en este género les tengan como grandes, lo cierto es que son un grupo relativamente desconocido en nuestro país (cosa no me explico, NO ME EXPLICO).
Su formación de oro llegó al finalizar su primer album de estudio, incorporando a la formación original (Geddy Lee-cantante, vocalista, teclados y Alex Lifeson-guitarrista) a Neil Peart, probablemente uno de los mejores bateristas de la historia.

Pero no, no hablemos de Rush. Hablemos de 2112.

El disco 2112, lanzado en 1976, no era lo que la discográfica exigía a Rush. La discográfica no quería otro album conceptual. Aún sí, Rush se empeñaron, y en contra de las exigencias consiguieron sacar el disco.
Contra todo pronóstico, triunfaron en las listas y el disco logró ser oro en ventas.
2112 es la suite que da nombre al disco, dividida en siete partes, que nos cuenta una fantástica historia futurista.
Pero 2112 no es sólo una historia fabulosa. 2112 es arte. 2112 es el teatro, el cine hecho música. No es sólo la letra lo que nos cuenta la historia. La interpretación vocal de Geddy Lee nos hace diferenciar entre los personajes, nos expresa su furia, su tristeza, su desconcierto. Recorremos campos de batalla a través de los golpes de batería de Peart...
2112 no es simplemente un tema. 2112 es una experiencia musical.
¡Disfrutadla!


I. Overture
II. Temples of Syrinx
III. Discovery
IV. Presentation
V. Oracle: The Dream
VI. Soliloquy

I. OVERTURE (0:00-4:33)

Desde hace años, la galaxia se sumió en una larga guerra que parecía no tener fin. Las máquinas luchaban contra los hombres para someterles... hasta que en el año 2062, la batalla llega a su fin. Los hombres se rinden ante las máquinas. La civilización cae en manos de la Estrella Roja de la Federación Solar. Sólo queda ser sometido... o exiliado.

"Y los humildes herederán la tierra"

II. Temples of Syrinx (4:33-6:47)
Es el año 2012. Los líderes de la Estrella Roja de la Federación Solar son los Sacerdotes del Templo de Syrinx. Ellos imponen su voluntad a la humanidad. Nadie camina sin su permiso... nadie pregunta, nadie siente más de lo que le dejan sentir. Ellos tienen el control, sobre la Tierra, sobre el hombre... sobre todo. La sociedad funciona perfecta. Trabajo. Sólo trabajo. 

Hablan los Sacerdotes:
"Hemos tenido cuidado con todo.
Las palabras que escuchas, las canciones que cantas
las imágenes que dan placer a tus ojos.
Es uno para todos y todos para uno
Trabajamos juntos, hijos comunes.
No es necesario cuestionarse cómo o porqué

Somos los Sacerdotes, de los templos, de Syrinx.
Nuestros maravillosos ordenadores llenan los santos salones.
Somos los Sacerdotes, de los templos, de Syrinx.
Todos los dones de la vida
tienen lugar dentro de nuestras paredes.

Mira alrededor, lo que hemos creado,
igualdad de nuestras acciones en el comercio.
Ven y únete
a la Hermandad del Hombre.
¡Oh! ¡Que bueno! Un mundo contento,
deja que las banderas sean desplegadas
¡Sostén la Estrella Roja alto con orgullo!

Somos los Sacerdotes, de los templos, de Syrinx.
Nuestros maravillosos ordenadores llenan los santos salones.
Somos los Sacerdotes, de los templos, de Syrinx.
Todos los dones de la vida
tienen lugar dentro de nuestras paredes."


III. DISCOVERY
(6:47-10:16)
Un hombre decide salirse del rebaño. Un hombre decide explorar. Y, explorando, se encuentra una guitarra. Las guitarras, como cualquier otro elemento que motive al hombre a sentir, a crear... fueron destruidas hace muchos años, por lo que nuestro hombre, curioso, descubre por sí mismo todo lo que puede hacer con ese instrumento.
Se maravilla de que el sonido que proviene de las cuerdas le haga sentir alegría, tristeza. E imagina que algo así sólo puede ser bueno para el hombre.

Habla "Starman"

"¿Qué puede ser este extraño aparato?
Cuando lo toco un poco hace sonido...
Tiene alambres que vibran... y hacen música.
¿Qué puede ser esta cosa que he encontrado?

Mira como canta... como un corazón triste
que alegremente saca fuera su dolor.
Sonidos que se elevan tan alto como una montaña
o... notas que caen... suavemente... como lluvia.

No puedo esperar para compartir esta nueva maravilla.
Todo el mundo verá su luz.
Todos podrán hacer su propia música.
¡Los Sacerdotes alabarán mi nombre esta noche!"

VI. PRESENTATION (6:47-10:16)
Starman se presenta ante los sacerdotes. Les enseña la guitarra y espera ilusionado que lo feliciten por su descubrimiento.
Pero los sacerdotes no quieren que un elemento de creación vuelva a pervertir la mente del hombre y lo descentre de sus responsabilidades. Culpan a estos "juguetes" del fracaso del ser humano en la antiguedad.
Starman.

Habla Starman
Sé que es algo bastante inusual
presentarme aquí ante ustedes.
Pero he encontrado un antiguo milagro
que pensé que ustedes deberían conocer.
Escuchas mi música.
Oigan lo que puede hacer.
Hay algo aquí, tan fuerte como la vida.
Sé que les llegará.

Hablan los Sacerdotes
Sí, lo conocemos, no es nada nuevo
Es sólo una pérdida de tiempo.
No necesitamos de las antiguas costumbres
Nuestro mundo va bien.
Es otro juguete que ayudó a destruir
a la antigua raza del hombre.
Olvídate de ese absurdo capricho
No se ajusta al plan.

Habla StarmanNo puedo creer lo que me están diciendo...
lo que dicen no puede ser verdad.
Nuestro mundo podría usar esta belleza...
sólo piensen lo que podríamos hacer.
Escuchen mi música.
Oigan lo que puede hacer.
Aquí hay algo tan fuerte como la vida.
Sé que les llegará.

Hablan los Sacerdotes¡No nos molestes más!
Tenemos mucho trabajo que hacer.
Sólo piensas en lo mediocre.
¿De que servirían que lo tuvieran?
Es otro juguete que ayudó a destruir
a la antigua raza del hombre.
Olvídate de ese absurdo capricho.
No se ajusta al plan.

V. ORACLE: THE DREAM (10:16-13:58)
Dolido con la decisión de los Sacerdotes... Starman se duerme y cae en un profundo sueño. En el sueño viaja al pasado, y descubre cómo eran las cosas antes de que la Estrella Roja de la Federación Solar tomara el poder. Descubre la magia, el arte... descubre que la vida no era sólo trabajo.
En el sueño también ve que no todos los hombres se sometieron al control de las máquinas. Que los "antiguos" todavía existen, y están dispuesto a luchar por recuperar lo que es suyo.

Starman
"Deambulé hasta casa a través de calles silenciosas
y caí dentro de un inquietante sueño.
Escapé hasta reinos más allá de la noche
Sueño, ¿no puedes mostrarme la luz?

Estoy al borde de una escalera de caracol
Un oráculo me lleva hasta ahí.
Él me lleva hacia años luz de distancia
hasta noches astrales, días galácticos.
Veo obras de manos talentosas
la gracia de esta estraña y maravillosa tierra.
Veo la mano resurgir
con la mente hambrienta y los ojos abiertos.

Ellos dejaron el planeta muchos años atrás.
La antigua raza continua enseñando y creciendo.
Su poder crece con el fuerte propósito
de reclamar el hogar al que pertenecen
De sacarlos de ahí, y derrumbar los Templos.
¡Cambio de hogar!"

VI- SOLILOQUY (13:58-15:58)
Starman no quiere volver a vivir en la sociedad perfecta de las máquinas. Pese a que sólo lo ha conocido en sueños... añora ser un ser humano libre y tener derecho a sentir, a crear, a pensar.

Starman
"El sueño todavía está en mi ojos...
El sueño todavía está en mi cabeza.
Exhalo un suspiro y una sonrisa triste
Y descanso un rato en la cama.
Deseo que algun día
pudiera llegar a pasar
y no se desvaneza como todos mis sueños...

Sólo pienso en lo que mi vida podría llegar a ser
en un mundo como el que vi.
No creo que pueda continuar...
continuar con esta vida fría y vacía.

Mi espíritu está inmerso en las profundidades de la desesperación
Mi alma... se derrama..."

VII. THE GRAND FINALE (15:58-18:19)
Los antiguos vuelven, tal como profetizó el sueño de Starman. Reclaman lo que es suyo. El combate entre las máquinas y el hombre vuelve a comenzar... y esta vez, los humildes heredan la Tierra.
¡Atención a todos los planetas de la Federación Solar!
¡Atención a todos los planetas de la Federación Solar!
¡Atención a todos los planetas de la Federación Solar!
¡Hemos tomado el control!
¡Hemos tomado el control!
¡Hemos tomado el control!

viernes, 13 de enero de 2012

Mussorgsky, Ravel y Emerson, Lake and Palmer - Cuadros de una exposición

Quizás os resulte extraño que catalogue como disco "Cuadros de una exposición"... y más aún que incluya a dos compositores clásicos diferentes y a Emerson Lake and Palmer, rock progresivo. Pero todo tiene una explicación.

Hemos de remontarnos a 1873, año en el que el pintor, arquitecto y escultor, Viktor Hartmann fallece antes de alcanzar los 40 años de edad. Un año siguiente, en 1874, más de 400 trabajos del artista ruso se exponen en la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo. Para el que no lo conozca, decir que las pinturas y las ilustraciones de Hartmann calaron hondo en la arquitectura rusa, y gracias a él se desarolló un importante estilo arquitectónico que, a día de hoy podríamos considerar como puramente ruso.





Modést Mussorgsky, el célebre compositor ruso, era íntimo amigo de Hartmann, y tras acudir a la exposición de las obras en la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo, decidió crear la suite que da nombre al hilo, cuadros de una exposición.
Sobre Mussorgsky hay que destacar que fue toda una revolución para la música rusa, ya que él, junto al conocido como "grupo de los cinco", compuesto por Mili Balakirev, Nikolai Rimski-Kórsakov, Aleksandr Bordodín, César Cui y el propio Mussorsgky, trataron de cambiar la música rusa y hacerla suya, quitando en medida de lo posible toda influencia europea.
Seguro, que por extraño que os resulte el nombre, todo el mundo conoce al menos una pieza de Mussorgsky: Una noche en el monte pelado (Night on the Bald Mountain), que, entre otros sitios, se puede escuchar en la magnífica pelicula de Disney Fantasía

Mussorgsky no es un compositor complicado. Su música, mayormente compuesta para piano, es realista y sin sobrecargas. Las melodías se centran en narrar, puesto que la melodía principal de sus composiciones parece imitar siempre la palabra hablada. Pese al realismo y la "sencillez" de la que hablamos, el ruso es capaz de crear atmósferas sencillas pero efectivas.
Cuadros de una exposición (Suite Hartmann) es considerada por muchos expertos como la gran obra de Mussorgsky. Mussorgsky dejó parte de su alma en ella, y testimonios de la época aseguran que el tiempo que dedicó a su composición fue casi enfermizo, sin apenas comer, beber ni dormir. Pese al tiempo y la dedicación, Mussorgsky no llegó a publicar su trabajo en vida, ya que no fue publicado tras cinco años de su muerte, en 1886.

Muchos son los que aseguran que Cuadros de una exposición habría pasado inadvertida ante los ojos de la historia si, en el siglo XX, un compositor francés no se hubiera fijado en ella.
Maurice Ravel tomó la obra de Mussorgsky y la orquestó, pues Mussorgsky la compuso única y exclusivamente para piano. La sencillez del piano quedó adornada con unas composciones exquisitas de vientos, metales y cuerdas que acompañaban a la voz principal del piano. De hecho, pese a que la adaptación es muy fiel en la linea, casi todas las adaptaciones que escuchemos de Cuadros de una exposición estarán más basadas en la adaptación de Ravel que en la del autor original.
Ravel, es mucho más conocido por ser un compositor mucho más actual. Obviamente, no sólo es un arreglista brillante, sino que es un compositor fabuloso. Pondría la mano en el fuego a que todo el mundo ha escuchado el famoso Bolero de Ravel.


Y, finalmente, cuando la música clásica quedaba ya aparcada en un segundo plano, cada vez más alejado de la juventud, las tendencias y los medios, uno de los grupos estrella de los 70s, Emerson, Lake and Palmer retomaba la obra Cuadros de una Exposición y, Mussorgsky estaría realmente orgulloso, pues su homenaje a su amigo Hartmann, ha sido recordado, ha sido admirado y respetado en tres épocas totalmente distintas: S. XIX, S. XX y S. XXI
Para el que no conozca a Emerson, Lake and Palmer, y puesto que lo he hecho con los dos compositores clásicos, un regalito.
CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN



Desconozco qué hizo a Mussorgsky seleccionar estos cuadros y no otros. Mussorgsky tenía en su propiedad varios cuadros del artista (que cedió para le exposición en honor a su amigo), pero no sé cierto si la obra la hizo para los cuadros que él poseía o bien para sus cuadros favoritos o que consideraba más representativos.
Lamentablemente, no se conservan todos los cuadros que Mussorgsky seleccionó, por lo que en muchos cuadros, tenemos que fiarnos del trabajo descriptivo de la música (obviamente, también de una pequeña descripción de la pintura) para ver el cuadro.

1. Promenade
2. Gnomus
3. Promenade
4. The Old Castle
5. Promenade
6. Tuileries
7. Bydlo
8. Promenade
9. Ballet of the Chickens in their Shells
10. Samuel Goldenburg & Schmuyle
11. The Market Place at Limoges
12. Catacombae
13. Cum Mortuis in Lingua Mortua
14. The Hut on Fowl's Legs (Baba Yaga)
15. The Great Gate at Kiev

Promenade, obviamente, no es uno de los cuadros de Hartmann. Aparece en diferentes momentos de la suite, y aunque siempre parece sonar igual, presenta ligeras variaciones dependiendo del momento de la suite. Se encuentra al inicio, y nos da la bienvenida para dirigir nuestros pasos al interior de la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo. También se encuentra en diferentes momentos de la suite, como bien hemos dicho, sirviendo de tránsito para ir de un cuadro a otro. Nos transmite la solemnidad del edificio, la solemnidad de los pasillos que recorreremos para caminar de una pintura a otra.
Mussorgsky hizo Promenade sencilla, para piano, y Ravel dejó de lado completamente el piano para centrar todo el protagonismo del avance en el fagot y en una cama de cuerdas que la da mucha más sobriedad al tema. ELP dejan que los sintetizadores de Keith lleven todo el peso del tema y que la batería Palmer acentúe partes puntuales.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Gnomus es el primer cuadro que la obra de Mussorgsky narra con música... y también es el primer cuadro perdido.
Se dice que Gnomus era un cascanueces con forma de gnomo de dientes afilados. La música es bastante inquietante, por lo que nos hace imaginar que el cuadro de Hartmann representaría a un ser con alma malvada.
Mussorgsky hizo un trabajo excelente con este tema... pero la versión orquestada de Ravel le da un aire mucho más tétrico con las cuerdas poniendonos en tensión y el pesado metal haciendonos sentir que en cualquier momento, el gnomo que Hartmann dibujó nos va a aparecer detrás. La versión de ELP es menos misteriosa quizás que la de Ravel, pero, en cambio, suena mucho más peligrosa, como sacada de una pelicula de terror.

Versión Mussorgsky

Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Il vecchio castello (The old castle): Otro cuadro perdido... Este cuadro representaba un viejo castillo medieval, posiblemente con aires orientales, y, bajo uno de sus balcones, destaca la figura de un trovador. La pieza transmite una profunda tristeza. Quizás Mussorgsky se ve reflejado en el trovador, que llora con su lira ante los pies de una edificación de su amigo arquitecto.
En esta pieza, destaca sobre todo (a mi gusto, por supuesto) la versión original con el piano. Queda mucho más intima, más personal... y en la versión orquestada de Ravel, pese a que coge un color más llamativo, obviamente se pierde la mágia. Y bueno... la versión en directo de ELP es muy grande, pero lejos, muy lejos de la composición original o de lo que la obra buscaba transmitir en esta pieza.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Tuileries, como no, también se ha perdido. El cuadro nos mostraba una vista del Jardín de las Tullerías, en París, en el que aparecían un numeroso grupo de niños jugando en el.
Mussorgsky hace una pieza corta y alegre, que quizás quede algo sosa sólo con el piano. En cambio, Ravel le da una viveza y una brillantez a la pieza al poner la voz principal a las flautas, flautines y clarinetes.

Versión Mussorgsky

Versión Ravel

Bydlo
Otro cuadro perdido, si... Bydio, es una palabra de origen polaco utilizada para referirse a un carro tirado por un buey.
Mussorgsky compuso esta pieza para tocar de forma pesada con el piano (simbolizando el esfuerzo y el cansancio del animal) e ir incrementando su intensidad a mitad de la canción para dar la sensación de que la carreta se ha aproximado hacia nosotros... para ir bajando progresivamente la intensidad y que sintamos que se aleja. Ravel, muy acertadamente, le da el protagonismo a la tuba para simbolizar el bydlo.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Ballet de los polluelos en sus cascarones. Este cuadro si se conserva.
Este cuadro es un boceto de unos diseños que Hartmann realizó para un ballet.
Mussorgsky compone una pieza muy dinámica, en la que los toques del piano nos hace imaginar a los pollitos dando saltitos, cayendo e intentando ponerse en pie aún con el cascarón encima. Ravel decide recrear este divertido momento a base de violines.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Samuel Goldenburg & Schmuyle: También se conserva este cuadro... estos dos cuadros.
Son dos cuadros diferentes, que representan a dos judíos diferentes. El judío de la izquierda es pobre, y el de la derecha, rico.
Mussorgsky hace un elaborado tema, que, pese a su escasa duración, está dividido en varias partes. Una, con un ritmo, se refiere al rico, otra, con otro ritmo, al  pobre... y luego, los dos ritmos se juntan. Ravel, en su orquestación, asigna unos instrumentos a cada personaje: las cuerdas para el judio rico, y una trompetilla para el pobre.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

The Market Place at Limoges Este si está perdido... El cuadro representaba el mercado de la plaza de la ciudad francesa de Limoges. En el mercado, había un gran gentío, sobre todo mujeres que conversaban, compraban o discutian.
Mussorgsky crió un tema con un ritmo frenético que nos transmite el jaleo propio de un mercado. Ravel le da muchísima más credibilidad al mercado, con una cantidad de instrumentos haciendo de distintas voces cabalgando al ritmo frenético que imponen los violines.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Catacombae
Las tres figuras representadas en el cuadro son el propio Hartmann con un amigo y el guía, que les conduce a través de las catacumbas romanas de París.
Mussorgsky, para representar el cuadro, concede tanta importancia a los acordes firmes, como al silencio. Es una pieza enigmática e inquietante, sin lugar a dudas. Ravel vuelve a hacer mágia, y los acordes de viento metal logran un sonido mucho más inquietante y misterioso.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Cum Mortuis in Lingua Mortua es la segunda parte de las catacumbas... vamos, que describe el mismo cuadro.
Mussorgsky, pese a que sigue con un toque ciertamente misterioso, baja la intensidad de la obra, pero mantiene el enigmatismo de las profundidas de las catacumbas.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

The Hut on Fowl's Legs (Baba Yaga)

El cuadro era un boceto para el diseño de un reloj inspirado en la historia de la bruja Baba Yaga.
Baba Yaga es el hombre del saco, el coco ruso. Los padres amenazaban a los niños rusos con que si se portaban mal, vendría la bruja Baba Yaga a devorarlos, pues la mitología eslava afirma que Baba Yaga se alimenta de niños. Lo más curioso de la bruja, es su medio de transporte: Una cabaña que, para desplazarse, extiende unas enormes patas y es capaz de andar. Baba Yaga, con sus poderosos hechizos, podía controlar a este mágica casa y viajar de un lado a otro en su interior.
Mussorgsky y su piano logran una pieza muy elaborada, pesada, que describe el pesado caminar de la casa, y logra también un aire misterioso y peligroso para plasmar al supuesto habitante de la casa. Ravel y su orquesta, añade el elemento de la percusión para resaltar las pisadas. Emerson, Lake and Palmer hacen también una fabulosa adaptación, con unas partes muy tétricas y otras muy psicodélicas... y incluyen la novedad de añadir un pequeño fragmento vocal.

Versión Mussorgsky
Versión Emerson, Lake and Palmer

The great gate at Kiev


Este cuadro es un diseño para una puerta que se podría haber construido realmente. El Zar Alejandro II salió ileso de un intento de asesinato, y convocó una especie de concurso para arquitectos para edificar por toda Rusia cantidad de iglesias y monumentos. En el centro de Kiev se iba a edificar una gran puerta... y esa puerta iba a ser la del cuadro de Hartmann. Finalmente, no se llegó a realizar.
También cabe destacar, que el titulo original del cuadro es La puerta de los bogatyr y es otra clara alusión a la cultura rusa. Un bogatyr es un caballero medieval ruso, un héroe... y existen cantidad de poemas épicos y escritos sobre algunos bogatyr.
Tanto Mussorgsky como Ravel hicieron un estupendo trabajo, pues esta, sin lugar a dudas, es mi pieza favorita.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel (junto al tema anterior "Baba Yaga"

sábado, 19 de noviembre de 2011

I Aniversario del blog

Os podrá parecer una entrada absurda, teniendo en cuenta lo poco que se actualiza Set the Controls for the Heart of the Sun.
Pero hoy hace un año exactamente que este blog publicó su primera entrada Welcome to the Machine, así que estamos de cumpleaños.

Durante este año, Set the Controls for the Heart of the Sun ha alcanzado las 8200 visitas, todo un gran logro para un blog tan pequeñito como este... gracias, sobre todo, a Pink Floyd, el grupo cuya canción Set the controls for the heart of the Sun da nombre al blog. La entrada Pink Floyd - The Wall alcanza las 3376 visitas, mientras que las dos partes de la Crónica que realicé sobre el concierto de Roger Waters en Madrid (parte Iparte II) suman entre ellas más de 500 visitas. Son números bastante importantes, para un triste blog que sólo cuenta con 17 entradas, asi que no os imaginais lo feliz que me hace. Quizás, algún día, este blog alcance el mismo número de visitas (21811) y participación que alcanzó mi antiguo blog en la coctelera Lady Sekhmet - La coctelera .

Para el segundo año del blog, prometo que seguirán habiendo muchas joyitas, grandes y conocidos grupos pero también muchos desconocidos y modestos, así como crónicas de todos los conciertos que mi economía me permita asistir... y música, bien sean canciones, noticias, anécdotas o curiosidades.

Muchísimas gracias a todos los que visitais el blog a menudo... y también a todos los que lo han visitado alguna vez, aunque solo haya sido una.
Por todos vosotros, el gran tema que da titulo a este espacio... en su versión en para el Live at Pompeii de 1971.