Mussorgsky, Ravel y Emerson, Lake and Palmer - Cuadros de una exposición

Quizás os resulte extraño que catalogue como disco "Cuadros de una exposición"... y más aún que incluya a dos compositores clásicos diferentes y a Emerson Lake and Palmer, rock progresivo. Pero todo tiene una explicación.

Hemos de remontarnos a 1873, año en el que el pintor, arquitecto y escultor, Viktor Hartmann fallece antes de alcanzar los 40 años de edad. Un año siguiente, en 1874, más de 400 trabajos del artista ruso se exponen en la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo. Para el que no lo conozca, decir que las pinturas y las ilustraciones de Hartmann calaron hondo en la arquitectura rusa, y gracias a él se desarolló un importante estilo arquitectónico que, a día de hoy podríamos considerar como puramente ruso.





Modést Mussorgsky, el célebre compositor ruso, era íntimo amigo de Hartmann, y tras acudir a la exposición de las obras en la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo, decidió crear la suite que da nombre al hilo, cuadros de una exposición.
Sobre Mussorgsky hay que destacar que fue toda una revolución para la música rusa, ya que él, junto al conocido como "grupo de los cinco", compuesto por Mili Balakirev, Nikolai Rimski-Kórsakov, Aleksandr Bordodín, César Cui y el propio Mussorsgky, trataron de cambiar la música rusa y hacerla suya, quitando en medida de lo posible toda influencia europea.
Seguro, que por extraño que os resulte el nombre, todo el mundo conoce al menos una pieza de Mussorgsky: Una noche en el monte pelado (Night on the Bald Mountain), que, entre otros sitios, se puede escuchar en la magnífica pelicula de Disney Fantasía

Mussorgsky no es un compositor complicado. Su música, mayormente compuesta para piano, es realista y sin sobrecargas. Las melodías se centran en narrar, puesto que la melodía principal de sus composiciones parece imitar siempre la palabra hablada. Pese al realismo y la "sencillez" de la que hablamos, el ruso es capaz de crear atmósferas sencillas pero efectivas.
Cuadros de una exposición (Suite Hartmann) es considerada por muchos expertos como la gran obra de Mussorgsky. Mussorgsky dejó parte de su alma en ella, y testimonios de la época aseguran que el tiempo que dedicó a su composición fue casi enfermizo, sin apenas comer, beber ni dormir. Pese al tiempo y la dedicación, Mussorgsky no llegó a publicar su trabajo en vida, ya que no fue publicado tras cinco años de su muerte, en 1886.

Muchos son los que aseguran que Cuadros de una exposición habría pasado inadvertida ante los ojos de la historia si, en el siglo XX, un compositor francés no se hubiera fijado en ella.
Maurice Ravel tomó la obra de Mussorgsky y la orquestó, pues Mussorgsky la compuso única y exclusivamente para piano. La sencillez del piano quedó adornada con unas composciones exquisitas de vientos, metales y cuerdas que acompañaban a la voz principal del piano. De hecho, pese a que la adaptación es muy fiel en la linea, casi todas las adaptaciones que escuchemos de Cuadros de una exposición estarán más basadas en la adaptación de Ravel que en la del autor original.
Ravel, es mucho más conocido por ser un compositor mucho más actual. Obviamente, no sólo es un arreglista brillante, sino que es un compositor fabuloso. Pondría la mano en el fuego a que todo el mundo ha escuchado el famoso Bolero de Ravel.

Y, finalmente, cuando la música clásica quedaba ya aparcada en un segundo plano, cada vez más alejado de la juventud, las tendencias y los medios, uno de los grupos estrella de los 70s, Emerson, Lake and Palmer retomaba la obra Cuadros de una Exposición y, Mussorgsky estaría realmente orgulloso, pues su homenaje a su amigo Hartmann, ha sido recordado, ha sido admirado y respetado en tres épocas totalmente distintas: S. XIX, S. XX y S. XXI
Para el que no conozca a Emerson, Lake and Palmer, y puesto que lo he hecho con los dos compositores clásicos, un regalito.

CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN



Desconozco qué hizo a Mussorgsky seleccionar estos cuadros y no otros. Mussorgsky tenía en su propiedad varios cuadros del artista (que cedió para le exposición en honor a su amigo), pero no sé cierto si la obra la hizo para los cuadros que él poseía o bien para sus cuadros favoritos o que consideraba más representativos.
Lamentablemente, no se conservan todos los cuadros que Mussorgsky seleccionó, por lo que en muchos cuadros, tenemos que fiarnos del trabajo descriptivo de la música (obviamente, también de una pequeña descripción de la pintura) para ver el cuadro.

1. Promenade
2. Gnomus
3. Promenade
4. The Old Castle
5. Promenade
6. Tuileries
7. Bydlo
8. Promenade
9. Ballet of the Chickens in their Shells
10. Samuel Goldenburg & Schmuyle
11. The Market Place at Limoges
12. Catacombae
13. Cum Mortuis in Lingua Mortua
14. The Hut on Fowl's Legs (Baba Yaga)
15. The Great Gate at Kiev

Promenade, obviamente, no es uno de los cuadros de Hartmann. Aparece en diferentes momentos de la suite, y aunque siempre parece sonar igual, presenta ligeras variaciones dependiendo del momento de la suite. Se encuentra al inicio, y nos da la bienvenida para dirigir nuestros pasos al interior de la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo. También se encuentra en diferentes momentos de la suite, como bien hemos dicho, sirviendo de tránsito para ir de un cuadro a otro. Nos transmite la solemnidad del edificio, la solemnidad de los pasillos que recorreremos para caminar de una pintura a otra.
Mussorgsky hizo Promenade sencilla, para piano, y Ravel dejó de lado completamente el piano para centrar todo el protagonismo del avance en el fagot y en una cama de cuerdas que la da mucha más sobriedad al tema. ELP dejan que los sintetizadores de Keith lleven todo el peso del tema y que la batería Palmer acentúe partes puntuales.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Gnomus es el primer cuadro que la obra de Mussorgsky narra con música... y también es el primer cuadro perdido.
Se dice que Gnomus era un cascanueces con forma de gnomo de dientes afilados. La música es bastante inquietante, por lo que nos hace imaginar que el cuadro de Hartmann representaría a un ser con alma malvada.
Mussorgsky hizo un trabajo excelente con este tema... pero la versión orquestada de Ravel le da un aire mucho más tétrico con las cuerdas poniendonos en tensión y el pesado metal haciendonos sentir que en cualquier momento, el gnomo que Hartmann dibujó nos va a aparecer detrás. La versión de ELP es menos misteriosa quizás que la de Ravel, pero, en cambio, suena mucho más peligrosa, como sacada de una pelicula de terror.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Il vecchio castello (The old castle): Otro cuadro perdido... Este cuadro representaba un viejo castillo medieval, posiblemente con aires orientales, y, bajo uno de sus balcones, destaca la figura de un trovador. La pieza transmite una profunda tristeza. Quizás Mussorgsky se ve reflejado en el trovador, que llora con su lira ante los pies de una edificación de su amigo arquitecto.
En esta pieza, destaca sobre todo (a mi gusto, por supuesto) la versión original con el piano. Queda mucho más intima, más personal... y en la versión orquestada de Ravel, pese a que coge un color más llamativo, obviamente se pierde la mágia. Y bueno... la versión en directo de ELP es muy grande, pero lejos, muy lejos de la composición original o de lo que la obra buscaba transmitir en esta pieza.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Tuileries, como no, también se ha perdido. El cuadro nos mostraba una vista del Jardín de las Tullerías, en París, en el que aparecían un numeroso grupo de niños jugando en el.
Mussorgsky hace una pieza corta y alegre, que quizás quede algo sosa sólo con el piano. En cambio, Ravel le da una viveza y una brillantez a la pieza al poner la voz principal a las flautas, flautines y clarinetes.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Bydlo Otro cuadro perdido, si... Bydio, es una palabra de origen polaco utilizada para referirse a un carro tirado por un buey.
Mussorgsky compuso esta pieza para tocar de forma pesada con el piano (simbolizando el esfuerzo y el cansancio del animal) e ir incrementando su intensidad a mitad de la canción para dar la sensación de que la carreta se ha aproximado hacia nosotros... para ir bajando progresivamente la intensidad y que sintamos que se aleja. Ravel, muy acertadamente, le da el protagonismo a la tuba para simbolizar el bydlo.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Ballet de los polluelos en sus cascarones. Este cuadro si se conserva.

Este cuadro es un boceto de unos diseños que Hartmann realizó para un ballet.
Mussorgsky compone una pieza muy dinámica, en la que los toques del piano nos hace imaginar a los pollitos dando saltitos, cayendo e intentando ponerse en pie aún con el cascarón encima. Ravel decide recrear este divertido momento a base de violines.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Samuel Goldenburg & Schmuyle: También se conserva este cuadro... estos dos cuadros.

Son dos cuadros diferentes, que representan a dos judíos diferentes. El judío de la izquierda es pobre, y el de la derecha, rico.
Mussorgsky hace un elaborado tema, que, pese a su escasa duración, está dividido en varias partes. Una, con un ritmo, se refiere al rico, otra, con otro ritmo, al  pobre... y luego, los dos ritmos se juntan. Ravel, en su orquestación, asigna unos instrumentos a cada personaje: las cuerdas para el judio rico, y una trompetilla para el pobre.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

The Market Place at Limoges Este si está perdido... El cuadro representaba el mercado de la plaza de la ciudad francesa de Limoges. En el mercado, había un gran gentío, sobre todo mujeres que conversaban, compraban o discutian.
Mussorgsky crió un tema con un ritmo frenético que nos transmite el jaleo propio de un mercado. Ravel le da muchísima más credibilidad al mercado, con una cantidad de instrumentos haciendo de distintas voces cabalgando al ritmo frenético que imponen los violines.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Catacombae

Las tres figuras representadas en el cuadro son el propio Hartmann con un amigo y el guía, que les conduce a través de las catacumbas romanas de París.
Mussorgsky, para representar el cuadro, concede tanta importancia a los acordes firmes, como al silencio. Es una pieza enigmática e inquietante, sin lugar a dudas. Ravel vuelve a hacer mágia, y los acordes de viento metal logran un sonido mucho más inquietante y misterioso.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Cum Mortuis in Lingua Mortua es la segunda parte de las catacumbas... vamos, que describe el mismo cuadro.
Mussorgsky, pese a que sigue con un toque ciertamente misterioso, baja la intensidad de la obra, pero mantiene el enigmatismo de las profundidas de las catacumbas.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

The Hut on Fowl's Legs (Baba Yaga)

El cuadro era un boceto para el diseño de un reloj inspirado en la historia de la bruja Baba Yaga.
Baba Yaga es el hombre del saco, el coco ruso. Los padres amenazaban a los niños rusos con que si se portaban mal, vendría la bruja Baba Yaga a devorarlos, pues la mitología eslava afirma que Baba Yaga se alimenta de niños. Lo más curioso de la bruja, es su medio de transporte: Una cabaña que, para desplazarse, extiende unas enormes patas y es capaz de andar. Baba Yaga, con sus poderosos hechizos, podía controlar a este mágica casa y viajar de un lado a otro en su interior.
Mussorgsky y su piano logran una pieza muy elaborada, pesada, que describe el pesado caminar de la casa, y logra también un aire misterioso y peligroso para plasmar al supuesto habitante de la casa. Ravel y su orquesta, añade el elemento de la percusión para resaltar las pisadas. Emerson, Lake and Palmer hacen también una fabulosa adaptación, con unas partes muy tétricas y otras muy psicodélicas... y incluyen la novedad de añadir un pequeño fragmento vocal.

Versión Mussorgsky
Versión Emerson, Lake and Palmer

The great gate at Kiev

Este cuadro es un diseño para una puerta que se podría haber construido realmente. El Zar Alejandro II salió ileso de un intento de asesinato, y convocó una especie de concurso para arquitectos para edificar por toda Rusia cantidad de iglesias y monumentos. En el centro de Kiev se iba a edificar una gran puerta... y esa puerta iba a ser la del cuadro de Hartmann. Finalmente, no se llegó a realizar.
También cabe destacar, que el titulo original del cuadro es La puerta de los bogatyr y es otra clara alusión a la cultura rusa. Un bogatyr es un caballero medieval ruso, un héroe... y existen cantidad de poemas épicos y escritos sobre algunos bogatyr.
Tanto Mussorgsky como Ravel hicieron un estupendo trabajo, pues esta, sin lugar a dudas, es mi pieza favorita.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel (junto al tema anterior "Baba Yaga"

I Aniversario del blog

Os podrá parecer una entrada absurda, teniendo en cuenta lo poco que se actualiza Set the Controls for the Heart of the Sun.
Pero hoy hace un año exactamente que este blog publicó su primera entrada Welcome to the Machine, así que estamos de cumpleaños.

Durante este año, Set the Controls for the Heart of the Sun ha alcanzado las 8200 visitas, todo un gran logro para un blog tan pequeñito como este... gracias, sobre todo, a Pink Floyd, el grupo cuya canción Set the controls for the heart of the Sun da nombre al blog. La entrada Pink Floyd - The Wall alcanza las 3376 visitas, mientras que las dos partes de la Crónica que realicé sobre el concierto de Roger Waters en Madrid (parte I y parte II) suman entre ellas más de 500 visitas. Son números bastante importantes, para un triste blog que sólo cuenta con 17 entradas, asi que no os imaginais lo feliz que me hace. Quizás, algún día, este blog alcance el mismo número de visitas (21811) y participación que alcanzó mi antiguo blog en la coctelera Lady Sekhmet - La coctelera .

Para el segundo año del blog, prometo que seguirán habiendo muchas joyitas, grandes y conocidos grupos pero también muchos desconocidos y modestos, así como crónicas de todos los conciertos que mi economía me permita asistir... y música, bien sean canciones, noticias, anécdotas o curiosidades.

Muchísimas gracias a todos los que visitais el blog a menudo... y también a todos los que lo han visitado alguna vez, aunque solo haya sido una.
Por todos vosotros, el gran tema que da titulo a este espacio... en su versión en para el Live at Pompeii de 1971.

Chaos Symmetry

Como decían en el programa de radio Universal Mind, es muy dificil encontrar en España un grupo que haga rock progresivo puro. La mayoría tienden a "metalizarse", a hacer trabajos más parecidos a Dream Theater y grupos por el estilo... y al final, y perdonenme por lo que digo... todos acaban sonando igual (refiriéndome, sobre todo, a la escena progresiva... bastante escasa en nuestro pais). Se olvidan de la esencia del progresivo. De jugar con la música, de experimentar, de saborearla y hacer que los demás descubran matices nuevos, se dejen llevar...

Pero Chaos Symmetry son distintos. Chaos Symmetry recuperan la esencia de antaño, el gusto por las melodias cuidadas... fusionando la magia de los pioneros del género con la técnica y la maestría de grupos más actuales como The Flower Kings.
La juventud de sus miembros (ninguno sobrepasa los 30), da un aire fresco a la escena. Transmiten pasión en cada nota, y sus canciones nos permiten ver que no solo son músicos, sino que, ante todo, son amantes de la música.

Imagen tomada del videoclip "Cosmic Rain"

El caos se inició allá por 2006, en Murcia. Lo que empezó siendo un grupo de amigos que se reunían para disfrutar versioneando a sus grupos favoritos, fue tomando forma a medida que pasaba el tiempo.
En 2008, Chaos Symmetry sacó su primera demo, "The Universe on a String"... y el trabajo dió sus frutos, permitiéndoles ganar dos concursos a nivel regional: Creajoven 2008 y Ondanave Rock.
A finales de 2008, el grupo decide tomarse un descanso... hasta ahora.
A mediadios de 2010, Chaos Symmetry vuelve con más fuerza y energía, cambio de formación y un ligero cambio de estilo.
La formación actual es la siguiente:

Ricardo Ruíz - Keyboard, Piano, Organ and Synthetizer.
Guzmán "McFly" Sánchez- Chapman Stick and Bass Guitar.
Javier Mondéjar- Voice.
Jose Guardiola- Drums and Percussion.

En Febrero de 2011, los nuevos Chaos Symmetry se meten a estudio para grabar nueva demo, y a finales de verano, todas las pistas que componen su nuevo trabajo, titulado "Maybe Something, Maybe Nothing".

MAYBE SOMETHING, MAYBE NOTHING
La demo estuvo lista para finales de verano. Cuando terminaron de darle los últimos arreglos, todos los temas fueron colgados en la red, para que todo el que quiera pueda disfrutarlos de forma gratuita.
La presentación de la demo en directo, tendrá lugar mañana 29 de Octubre de 2011, en la sala Musik, en Murcia, por el módico precio de 2€... todo un chollo para cualquier amante de la música que quiera amenizar la noche del sábado con calidad.
Además, desde su página de facebook nos hicieron saber que en el concierto tienen una sorpresa muy especial...

Basta de chachara... porque aquí servidora se podría pasar horas escribiendo elogios, y lo que realmente importa es su música.
Todos los temas de la demo, listos para escuchar mediante youtube. Especial atención al videoclip de "Cosmic Rain", donde podreis ver al grupo en acción... y a Far Beyond the Skies, una de mis preferidas. Enjoy it!
Crazy Starband

Her

Rhythm of dreams

Far beyond the skies

Cosmic Rain- Videoclip

Crazy Starband (Revisited)

Sitios oficiales de Chaos Symmetry:

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Youtube
Myspace

Eloy- Ocean (1977)

El progresivo alemán es un gran desconocido entre el público.
En los 70s, los grupos de rock de alemania tenían una tendencia a decantarse por un progresivo muy cercano al denominado "space rock", y, a menudo, volaban tanto que acababan por unirse a la bandada del resto de grupos alemanes, que, irremediablemente, dirigian sus pasos al género por excelencia de Alemania: el Krautrock.
Fueron pocos los grupos que se mantuvieron fieles a sus inicios puramente progresivos y que apuntaban más al progresivo británico que al Krautrock... y entre ellos, hoy destaco a Eloy.

Logo de la banda... muy a lo Roger Dean, ¿no?

Eloy regresó en el pasado, allá por 1969... y digo regresó, porque, como conocerán los amantes de la ciencia ficción y de H.G Wells, los Eloi son una raza que habita el planeta en el año 802.701, según la novela La máquina del tiempo.

Los Eloi, en "El tiempo en sus manos", adaptación de la novela de Wells en 1960.

La grandeza de Eloy se basa en gran parte en la creación de unas atmósferas intensas, muy musicales, cargadas de toques de teclado y guitarras cargadas de efectos.
Lo que para mi gusto hace inconfundible al grupo es, sin lugar a dudas, la pronunciación tan alemana que le dan a las letras en inglés.

Frank Bornemann - Guitarra y voz
Klaus-Peter Matziol - Bajo y voces
Jürgen Rosenthal - Batería y voces
Detlev Schmidtchen - Teclados y voces

Tras 5 albums en los que Eloy iban en búsqueda de su sonido (los primero albums un tanto... caóticos, dejemoslo ahí), llegó, en 1977, la que sin lugar a dudas es su obra más célebre: Ocean.
Ocean es un album conceptual que gira en torno a la mítica Atlántida. Eloy crea de nuevo Atlántida para destruirla a través de cuatro temas largos:
Una mágica Poseidon's creation

Una dulce Incarnation of Logos:

Una más agresiva Decay of Logos (y su magnífica linea de bajo... ¡simple pero efectiva!)

Y una magistral agónica Atlantic's agony at June 5th-8498 P.M. Gregorian Earthtime

Son muchos los que tienden a comparar a Eloy con otros grandes del progresivo que estaban proximos al Space Rock por aquella época (véase Pink Floyd), pero las comparaciones siempre son odiosas.
Eloy goza de una personalidad fuerte que los hace únicos. Un sonido propio, trabajado y estudiado para transportarte a donde ellos quisieran... o a donde tú te dejaras llevar.

Hiromi (The Trio Project) XIV Festival Jazz San Javier (23-07-2011)

Para empezar a narrar el concierto de Hiromi Uehara voy a parafrasear a Joaquin Alfonso (@joaalf), escritor del blog VIPVAP, Cinema & Peace & Music: "Si no has ido a un concierto de Jazz, no has ido a un concierto", a la que añado: "y si no has ido a un concierto de Hiromi, no has ido a un buen concierto de Jazz hoy en día".

La enérgica Hiromi nos enamoró a las más de 1500 personas que asistimos a su concierto el pasado sábado 23, uno de los últimos conciertos del XIV Festival Internacional de Jazz de San Javier.
La japonesa sorprende, no sólo por su juventud y su maestría con el piano, sino por la facilidad que tiene para sentir y transmitir con sus pequeñas manos, por la facilidad para dejarte sin aliento cuando intentas seguir a sus ligeros dedos mientras ella sonríe y toca como si nada.

Esta vez (no es la primera vez que viene a San Javier) vino acompañada de dos auténticos monstruos que conforman su nuevo "Trio project", en la presentación del nuevo álbum Voice: el maestro a la batería Simon Philips y el genialísimo Anthony Jackson al bajo.

Las primeras notas de la primera canción nos dejaron claro que ibamos a ver aquella noche: un completo repaso a los mejores temas de su nuevo álbum.
Voice fue el tema elegido para abrirnos boca, con su inicio pesado, grave, que se abre poco a poco en un derroche de virtuosismo.
Destacable sin lugar a dudas el momento en el que el piano de Hiromi "baja de volumen" y la batería del gran Simon Philips se vuelve arrolladora, mas cercana a una bateria de heavy que de jazz, pero, con la cama del bajo de Jackson y las notas dulces del piano de cola se convierte en algo magnífico, una mezcla entre jazz, clásica y rock que me dejó con la boca abierta y la babilla colgando.
En directo mejora muchísimo, como era de esperar.

Ya en estos primeros minutos vimos que el trio se entiende a la perfección. La acústica del Auditorio era increible, aunque por poner una pega (que se deba seguramente a la ubicación que escogí en el recinto) el bajo de seis cuerdas de Jackson era engullido casi en todo momento por la energica forma de tocar de Hiromi.

Tras Voice Hiromi se puso de pie para recibir el aplauso del público, cogió el micrófono nos dió la bienvenida y nos presentó su siguiente tema: Now or never.
Now or never es uno de los temas que más me llamó la atención cuando, muy de pasada, escuché el disco antes de ir a verla. Es un tema tremendamente divertido, en el que al principio alterna la majestuosidad de su piano con el toque divertido de su Nord Lead. Cuando se centra exclusivamente en el piano, llega un momento en el se deja llevar totalmente y vive la música como solo ella sabe hacer: dando patadas y saltitos mientras toca el piano y alcanza una velocidad, seguramente, muy próxima a la de la luz.
Lo mejor del tema, sin lugar a dudas, las imitaciones que hacía Hiromi con su sintetizador de las notas que tocaba Anthony Jackson en su bajo (en el video, en el minuto 7:39)

Video del festival Heineken Jazzaldia, celebrado el 24 de Julio, un día después del concierto de San Javier. El video pertenece a Distrito Jazz

Y... ¡otro temita del nuevo! Desilusion es toda una delicia, con un estribillo algo nostálgico y mágico.
Es el tema quizás más sobrio, y el piano de Hiromi deja brillar por fin a Anthony Jackson, cuyo bajo adquiere un protagonismo en la distancia y da una clase especial al tema. A mitad del tema, bajo la oscuridad machacona de Jackson y el piano moderado de Hiromi aparece el ritmo intenso del espectacular doble bombo del gran Simon Philips que resuena por todo el Auditorio y hace que el público rompa en aplausos

Labyrinth, fue otro derroche de virtuosismo y rapidez. Pese a que parece que es un tema más pausado, las pequeñas manos de la japonesa recorrian el piano alcanzando velocidades alucinantes, embobando al público y dejando nuestros corazones al borde del infarto por tratar de amoldarse a semejante ritmo.

Beethoven's Piano Sonata No. 8, Pathetique baja definitivamente el ritmo del concierto. Es hora de tomar un respiro, y disfrutar de forma pausada de la gran versión del maestro que nuestra querida Hiromi nos regala.
Y tras recibir los aplausos, Hiromi se queda sola en el escenario y nos toca una de las canciones más íntimas de su nuevo disco: Haze, un estupendísimo trabajo con el que hizo que el público contiviese la respiración para saborear la mágia y la serenidad que sudaba cada nota que los dedos de Hiromi acariciaban.
Fue un tema muy aplaudido, el público se puso en pie aplaudiendo emocionado mientras que Jackson y Philips volvían al escenario para continuar.


Y, un cambio de ritmo total, Dancando No Paraiso, de su disco Another Mind en el que el trio nos contagió las ganas de bailar (o mover la cabeza y el piececillo, que estabamos sentados). Nuevamente Philips e Hiromi suben la velocidad y se nota la química especial entre ellos, lo bien que han congeniado, lo bien que acompaña una batería de corte más rock con el piano maravilloso de la japonesa. Dejan el tema a medio, e Hiromi se pone de pie y se coloca junto a Jackson para contemplar de primera mano el fabuloso solo de batería de Simon Philips.

En definitiva, Hiromi fue una niña prodigio, alumna de Ahmad Jamal y Oscar Peterson... y el sábado en San Javier nos demostró que a sus 32 añitos ya tiene todas las papeletas para conventirse en una leyenda del Jazz de nuestros días. No sólo se muestra como una virtuosa, sino que vive y siente cada nota. Su carisma y su entusiasmo se contagian por vía de su expresión corporal, y su sonrisa y su alegría nos hacen entender que pese a su profesionalidad y maestría, para ella no es solo lo que le da de comer, sino que es su vida, su hobbie, su pasión. Hiromi es música. Hiromi es Jazz... otra forma de entender el Jazz... y con este nuevo trío, la perfecta unión entre tres cunas del Jazz (Nueva York, Londres y Japón) nos convenció absolutamente de que ante su presencia solo podemos aplaudir y admirar el derroche de talento que regala a quien se atreva a escucharla.

Espero que vuelva en próximas ediciones del Festival de Jazz de San Javier, porque todas las veces que vuelva yo volveré a repetir.

Camel - The Snow Goose (La gansa blanca) 1975

Ficha técnica
Andrew Latimer - Guitarras y flauta.
Doug Ferguson - Bajo
Peter Bardens - Teclados
Andy Ward - Batería

Lanzamineto: Abril de 1975
Discográfica: Decca Records

Lista de Canciones
1. The great Marsh
2. Rhayader
3. Rhayader goes to town
4. Sanctuary
5. Fritha
6. The Snow Goose
7. Friendship
8. Migration
9. Rhayader alone
10. Flight of the Snow Goose
11. Preparation
12. Dunkirk
13. Epitaph
14. Fritha alone
15. La Princesse Perdue
16. The Great Marsh

Inspiracción literaria
The Snow Goose es el tercer disco de Camel, publicado en 1975. Es un album conceptual instrumental, basado en la novela del escritor americano Paul Gallico "The Snow Goose" o "La gansa blanca" en español. Sin embargo, el escritor Paul Gallico emprendió acciones legales para que el álbum no fuera relacionado (más de lo necesario) con su libro. No quería, por así decirlo, que "The Snow Goose" fuera una BSO del libro. De ahí que Camel se tuvieran que ver forzados a incluir "música inspirada por..." para mantener el nombre del disco y el nombre de todas las canciones, que hacen una clara referencia a la historia que se cuenta en el libro.

De hecho, para entender la belleza de Snow Goose, hay que conocer la historia de la novela de Paul Gallico.
La historia nos habla de Rhayader, un jorobado deforme bastante poco agraciado físicamente que se retira a un paraje abandonado en la Gran Marisma, para centrarse en la búsqueda de la belleza a través de sus pinturas y el contacto con la naturaleza, lejos de una sociedad superficial que le juzga y le rechaza por su apariencia monstruosa.
Fritha es una niña que encuentra un majestuoso ejemplar de ganso de las nieves (o los conocidos como gansos blancos), que no puede volar a causa de un ala rota durante una terrible tormenta. Para curar a la gansa, Fritha decide vencer todos sus miedos (infundados por la sociedad con respecto a Rhayader) e ir a ver al "misterioso jorobado" para que le ayude a salvar a la gansa... y así empieza una bonita amistad entre el sensible y feo Rhayader y la valiente Fritha, que consiguen curar a la gansa, bautizada por Fritha como Princesse Perdue. La Princesse Perdue puede volar de nuevo y así seguir con el viaje migratorio que llevaba a cabo antes del accidente de la tormenta.
Rhayader se ve obligado a participar en una operación militar llamada "la batalla de Dunkerque" (conocida como Operación Dinamo), una operación militar que permitió el rescate y evacuación de miles de soldados británicos y franceses durante la invasión nazi a territorio francés durante la Segunda Guerra Mundial. En esta batalla, Rhayader pierde la vida.
La Princesse Perdue regresa junto a Fritha, y es la encargada de darle la noticia (no directamente, obviamente).

El disco

La grandeza de The Snow Goose es que, pese a ser un álbum instrumental, describe a la perfección la historia del libro. Describe emociones, sentimientos, parajes... con simples melodias cargadas de la dulzura propia de la música de Camel.
El disco se abre con The Great Marsh, la intro que nos situa en el paraje natural donde tendrá lugar el desarrollo de casi toda la historia. Empieza sin oirse nada, para ir, poco a poco, como acercándonos desde la lejanía hasta el punto álgido, la Gran Marisma, mediante la hermosura y la sencillez de una melodía que nos transmite la paz y la mágia.
Una vez situados, nos presenta al protagonista mediante el tema Rhayader, un tema dulce que nos deja ver el fondo del personaje más allá de su 'poco' agraciada apariencia física. Nos muestra un interior bello, sensible... ese "algo" tan grande que los superficiales jamás podrán conocer. Seguidamente, Rhayader goes to town, nos permite ponernos en la piel de Rhayader en su visita a la ciudad. Podemos sentir las burlas, el rechazo, las miradas de desprecio y sentirnos agobiados y furiosos en las partes rápidas, y sentirnos tristes y discriminados en las partes más lentas, dejándonos llevar por el sentir del protagonista en la gran guitarra de Latimer.

Sanctuary, aleja a nuestro querido Rhayader de la ciudad. El excaso minuto de duración de este tema y el apacible clima que lo rodea nos situa esta vez en el Santuario donde Rhayader decide refugiarse: un faro abandonado en la Gran Marisma, donde encontrará la paz en soledad y podrá dedicarse a la búsqueda de la belleza a través de la observación y la pintura.
Y, entonces aparece en escena Fritha, un tema dulce e inocente que nos presenta a la jóven. Casi podemos sentirla pasear, sonriente, feliz y alegre... hasta que enlaza con The Snow Goose, que describe el encuentro de la jóven con el ave herida, y, muy probablemente, el encuentro y la petición de ayuda de Fritha con Rhayader.

Friendship es un tema alegre, con un fondo repetitivo y la voz predominante de un oboe, simulando, tal vez y como en tantas ocasiones se ha hecho, la voz de la Princesse Perdue, feliz y agradecida con sus dos nuevos amigos.

Migration es una novedad en el disco, pues es la primera vez en lo que llevamos de historia que se introducen voces, aunque sin letra, como si se tratara de un instrumento más. Es la despedida de la gansa blanca, que continuará con su migración ahora que gracias a Rhayader y a Fritha está curada.

Una vez que la gansa se marcha... Fritha regresa a casa, y, una vez más, Rhayader se queda solo. Rhayader Alone es una variación en el tema de Rhayader, presentandolo muy entristecido, sumergido en la soledad en su torre abandonada en la gran marisma, sin la compañía de la gansa blanca... ni de su querida Fritha, la única humana que se atrevió a acercarse a él.

Flight of the snoow goose nos aleja de la escena, describiendo a la perfección la belleza del ave durante su feliz vuelo. Y una vez lejos la gansa blanca, se enlaza con Preparation el tema en el que Rhayader se prepara para el combate, que empieza suave, dulce... para transformarse en una melodia cargada de miedo. Sentimos el miedo en la calma saturada de efectos... y Dunkirk inevitablemente, nos mete de lleno en la batalla, con partes de viento y una percusión bastante épica. Es el tema más largo del disco, con una progresión bastante acertada y una parte final que refleja la confusión y el dramatismo de la batalla.

 

El turno de el momento más trágico del disco: la muerte de Rhayader, en Epitaph, un tema oscuro, grave, que muere lentamente hasta acabar en unos segundos de absoluto silencio antes de dar paso a Fritha Alone, la variación de Fritha, que nos describe a una Fritha sin alegría, nostálgica, que echa de menos a sus amigos.

Pero la soledad de Fritha se rompe con el retorno de La Princesse Perdue en el que la gansa vuelve. Al principio es un tema muy alegre, un reencuentro feliz entre las amigas... pero luego baja de intensidad, al enterarse Fritha por la gansa de la trágica muerte de Rhayader. El tema adquiere en esta segunda parte un matiz doloroso... pero fuerte, de superación.

Y... tal como empezó todo, acaba, con The Great Marsh, pero, en vez de acercarnos como el primer tema... salvo que esta vez, en vez de acercarnos, nos aleja progresivamente de la escena donde tuvo lugar la historia.

Turisas y finales Creajoven Murcia (17 Junio 2011)

Las finales de la rama musical del concurso de nuevos talentos Creajoven, son siempre esperadas con gran entusiasmo por el público murciano. Se trata de un concierto en el que participan los tres finalistas del concurso, y, además, la organización siempre suele conseguir a un artista de renombre para que toque de cabeza de cartel en este minifestival murciano.

En años anteriores, el cartel había contado con la presencia de grupos nacionales como Hamlet o La Fuga, que siempre son un reclamo para que el público se anime a ir al evento y conocer nuevos grupos de su región que vienen pisando fuerte.
Pero la sorpresa de este año ha sido totalmente inesperada. No sólo no ha sido un grupo nacional… sino que ha sido Turisas, un importante grupo de la escena folk metal europea, muy querido por los amantes del género.
Además, cabe destacar que Turisas tenían planeada una gira por territorio español que tuvieron que cancelar (aunque luego confirmaron tres nuevas fechas… pero para Noviembre de este año). Y, sobre todo, cabe destacar que esta actuación ha sido GRATIS.

A las ocho en punto, y bajo el desagradable sol murciano, se abrieron las puertas del pequeño recinto del Parque Fofó. Aunque la hora estimada para el inicio del grupo principal eran las 23 horas, me sorprendió gratamente ver la enorme masa de camisetas negras y caras pintadas que aguantando el calor de forma épica se concentraba allí a tan tempranas horas.

El calor era insoportable, pero mirases donde mirases veías caras sonrientes que se refrescaban con cervezas y tintos de verano.

A las ocho y media, el primer grupo finalista hace acto de presencia. Iron Curtain son un grupo de Speed Metal bastante conocidos y respetados en la escena murciana. Rápidos y contundentes, caldearon los ánimos de un público bastante entregado, que se animaba a corear los pegadizos estribillos como “brigada satánica, brigada del metal” y fueron muy aplaudidos. Tuvieron mucha complicidad con el público, y se curraron el espectáculo con un cañón de confetis y un amigo del grupo que salía con máscara, hacía air guitar con una muleta y animaba al público a hacer moshs y a cantar.

Poco más de media hora después, el segundo grupo finalista. B.A.B (Brutal Anal Blast). Nos sorprendieron a todos, porque hacen un death metal bastante decente, y no estuvieron nada mal. Se los notaba algo de falta de complicidad entre los componentes, y quizás un poco paradillos en escena, pero sonaron bastante bien.

Y los últimos finalistas fueron Newton Cae, que, pese a estar muy alejados del estilo que suelo escuchar, no me desagradó el metalcore raro que hacían, y tuvieron un directo potentísimo. Se mueven como pez en el agua por el escenario y se les nota bastante experimentados.

Al finalizar las actuaciones, los técnicos se pusieron manos a la obra con la preparación del escenario, que se tiñió de rojo y negro, los colores del grupo, y, antes de comenzar la actuación de los cabezas se anunció a los ganadores del concurso: Iron Curtain.

Con la épica intro de su álbum Battle Metal, Victoriae & Triumphi Dominus, los seis miembros de Turisas hacían su triunfal entrada levantando los puños y colocándose en sus marcas, mientras todo el público que llenaba el recinto se agolpaba gritando y aplaudiendo extasiados.

To Holmgard and Beyond, de su segundo disco, fue el primer tema que nos regalaron (nunca mejor dicho, porque no pagamos nada por verlos). Las gafas de una servidora, en un momento de locura, volaron y se estamparon contra el suelo, mientras yo y los míos las buscábamos entre los pies antes de que empezara el estribillo y fuera demasiado tarde para ellas, pues se desataría la locura colectiva y alguna bota militar pondría fin a su existencia. Las encontramos justo antes de que Mathias Warlord, cantante y frontman del grupo levantara los brazos y con un grito nos pidiera que le acompañáramos a él y a sus guerreros en el coro del estribillo. La locura se desató, como era de esperar (pero mis gafas ya estaban a salvo en mi bolso). El público murciano, con los puños en alto, se dejaba los pulmones en hacerse oír, muy entregado ya en este primer tema.
El violín de Olli Vänskä y el acordeón de la preciosa Netta Skog nos metieron de lleno en uno de los primeros temas del grupo, de su primer disco, One More. Un tema con partes muy tranquilas y una grandísima actuación del simpático Olli.  

Y tras dos clásicos, el momento que más de uno se temía. The March of the Varangian Guard es un tema de su último disco, que no ha sido muy bien acogido por la mayoría de sus seguidores. Sin embargo, tiene la fórmula Turisas: partes cantadas suaves, partes más agresivas, guitarras pesadas y un estribillo coral épico, y eso, en un directo, nunca defrauda. Enlazaron con otro tema del último disco, Take the day, un tema con una fuerte influencia ochentera, que, pese al potente directo y al buen recibimiento de todo el mundo, a mi personalmente me dejó algo fría.
Y antes de meternos otro tema de su último trabajo, el bueno de Mathias sale con un bote de cerveza y nos comenta que menuda mierda le habían dado, que eso ni es cerveza ni es ná. Creo que le dieron un bote de cerveza sin alcohol… así que, ni corto ni perezoso, derramó todo el contenido del bote en el escenario… le faltó pegarle fuego XDDD
Hunting Pirates empezó acompañado de las palmadas de todo el público, que, si bien en el disco no me terminó de convencer los extraños cambios de ritmo, en directo, como siempre, mejorado y muy cañero.
Para no saturarnos de canciones nuevas, In the Court of Jarisleif, un tema con un aire gitano-europeo, muy rápido que nos invitaba a bailar como si estuviéramos en una taberna bañando nuestros hígados de cuernos de cerveza.

Pero están en gira de presentación de su último trabajo Stand up and Fight… así que otro tema más: The Great Escape. Aquí me pasa al revés que con otros tema: en el disco fue de lo que más me gustó (tal vez porque fue la primera que oí), pero en directo, aunque gana épica, no me emocionó al mismo nivel. Aunque no deja de ser preciosa e hizo que las partes de violín me erizaran los pelillos.
Y uno de los momentos que esperaba con más ganas (aunque no el que mas). Miklagard Overture, un tema largo, dulce en ocasiones, con una fuerte carga emocional y orquestal. Es uno de mis temas favoritos y en directo me transporta a unas tierras de leyenda con solo cerrar los ojos. Fue un gran momentazo.
Tras la épica y emocionante Miklagard Overture, me sentía una guerrera, dispuesta a luchar contra un clan rival o a salir de caza para alimentar a los míos… pero me cortaron todo el rollo, sacándome una sonrisa cuando a golpe de batería y bajo, tocaron los acordes del himno español… pero no ese himno español que todos os imagináis… sino el de “Alcohol, alcohol, alcohol, alcohol, alcohooool, hemos venido, a emborracharnos, el resultado nos da igual” la coreó todo el mundo, y entre risas, aplausos y saltos, sintiendo ese orgullo alcohólico español que nos caracteriza cuando todo el grupo tocó la canción como si se tratase de un adelanto de su próximo disco.

El acordeón de la siempre sonriente Netta nos transportó de nuevo a una taberna y animó al baile y la locura colectiva con Sahti Waari. Que temazo, señores, que temazo. Aunque moríamos de calor y todo el tiempo que llevabamos de pie y saltando pesaba sobre nosotros, el cansancio y la desesperación no pudieron apoderarse de nadie, porque este tema en directo es un chute de adrenalina increíble.
Y… Mattias nos organizó al finalizar el tema. Los del lado derecho eran el grupo “uan” y los de la izquierda el “chu” Cuando nos señalara, sólo teníamos que gritar todo lo fuerte que pudiéramos los del grupo que le tocara. Obviamente, la gente gritaba cuando sentía que tenía que gritar, sobre todo los que no veíamos nada, (como servidora, que sólo se podía sacar las gafas de vez en cuando para darle un repaso a Mattias), pero la gente tiende a emocionarse mucho con este tipo de interacción con el grupo y, cuando más emocionados estaban… cuando más fuerte gritaban… llegó EL TEMA.
Es curioso que un grupo de la calidad de Turisas sea conocido, sobre todo, por una versión… y es curioso que esa versión sea de un clásico de la música disco. Rasputin, el mítico tema de Boney M, es una locura en su versión folk metalera. La gente se vuelve completamente loca, y todo el mundo se olvida de todo para centrarse en Rasputin. No recuerdo nada de lo que ocurrió durante el tema… sólo que bailé, salté, grité como una condenada posesa… y lo pasé como nunca.
Pero… aún nos esperaba un tema más… la mejor forma de cerrar un concierto redondo. Battle Metal continuó la locura que despertó tímidamente Sahti Waari, se desarrolló a marcha forzada con Rasputin y finalizó con un himno en toda regla.
Y así finalizó un concierto inesperado, que nadie se creía. Turisas gratis en Murcia, totalmente entregados, nos deja un recuerdo de una noche de épica, risas… y dolor, mucho dolor. Los días posteriores al concierto estuve casi casi en coma, con el cuerpo totalmente dolorido, pero una sonrisa de oreja a oreja que aún me dura cada vez que recuerdo la fiesta que nos pegamos.
Hasta la próxima, Turisas… y un saludo muy especial a mi amigo Berzo, mi compañero grita-Vodka en todos los temas que seguro que aciertas XDDD XDDD XDDD